Search Results

Para assinalar os 700 anos do nascimento de Inês de Castro, a exposição de pintura (Des)VELAMENTOS DE PEDRO E INÊS . Esta exposição reúne um grupo distinto de artistas—Cristina Henriques, Gianmarco Donaggio, Joana Guerra, João Leirão, Jorge Prata, Maria De Fátima Silva, Nélia Caixinha e Nelson Ferreira. Curadoria de Alberto Guerreiro. Ícones bizantinos pintados por Nelson Ferreira A exposição mergulha na intemporal e trágica história de amor de Pedro e Inês, uma das narrativas mais marcantes da história de Portugal. Cada artista interpreta este conto através de uma perspetiva única, desvendando camadas de paixão, intriga e destino nas suas obras. O local, Alcobaça, possui um profundo significado histórico, pois alberga os magníficos túmulos dos amantes no Mosteiro de Alcobaça, um testemunho eterno do seu amor imortal. Complementando a experiência visual, houve uma palestra de Jorge Pereira de Sampaio , que ofereceu uma visão mais aprofundada sobre a importância histórica e cultural de Inês de Castro. Para aprimorar ainda mais esta experiência, escute atentamente uma belíssima ária da ópera italiana Inês de Castro , que legendámos em inglês, português e italiano. Esta peça musical capta a profundidade emocional e a trágica beleza da história de Inês, ressoando ao longo dos séculos e atravessando culturas. #InesDeCastro #PedroEInes #Arte #Pintura #Exposicao #Alcobaca #HistoriaDePortugal #AmorEterno #Academia #Opera #Cultura #CristinaHenriques #GianmarcoDonaggio #JoanaGuerra #JoaoLeirao #JorgePrata #MariaDeFatimaSilva #NeliaCaixinha #NelsonFerreira

Vídeo do Desenho à Mão Levantada: Filomena , feito com Ponta de Ouro. O tempo corre, e só esta semana consegui finalmente fotografar devidamente o meu desenho da Filomena Camacho, um retrato criado com Ponta de Ouro de 24 quilates sobre uma superfície especialmente preparada. Esta técnica meticulosa segue os métodos históricos utilizados por artistas medievais e renascentistas, muito antes da invenção dos lápis de grafite. Uma Viagem Pelas Técnicas Históricas do Desenho Este desenho está profundamente ligado a uma experiência muito especial que tive com a National Portrait Gallery (NPG), em Londres. Tive a honra de ser convidado como artista visitante para ensinar estas técnicas históricas, orientando outros artistas e educadores através dos mesmos métodos utilizados por Leonardo da Vinci, Hans Holbein, Albrecht Dürer e Rembrandt—mestres cujas obras estiveram em destaque na exposição Encounter: Drawings from Leonardo to Rembrandt . Como parte desta colaboração, conduzi um workshop intensivo de estúdio focado em desenhar com pontas de ouro e de prata, e outras técnicas tradicionais de desenho. A NPG descreveu o curso da seguinte forma: "O artista convidado e especialista em técnicas históricas de desenho, Nelson Ferreira, lidera um workshop intensivo de estúdio inspirado na exposição 'Encounter: Drawings from Leonardo to Rembrandt', que apresenta retratos desenhados por alguns dos mais notáveis mestres dos períodos Renascentista e Barroco. Este workshop de um dia inteiro apoia professores na exploração da arte do retrato através de métodos tradicionais, incluindo ponta de ouro, e oferece uma oportunidade de trocar ideias sobre a integração destas técnicas históricas na sala de aula." Para além do workshop prático, tive também o privilégio de dar uma palestra no Ondaatje Wing Theatre, onde aprofundei a importância destas técnicas e a sua relevância contínua para os artistas contemporâneos. O Legado da Ponta de Metal A ponta de ouro, juntamente com a sua técnica irmã, a ponta de prata, exige precisão e paciência. Ao contrário dos lápis modernos, estas ferramentas não permitem apagar facilmente, o que requer um planeamento e execução cuidadosos. No entanto, os resultados podem ser verdadeiramente luminosos. A ponta de prata, em particular, desenvolve ao longo do tempo um brilho quente e subtil à medida que o metal reage com o ar. Já a ponta de ouro mantém-se inalterada, preservando a sua delicada luminosidade indefinidamente. Criar Desenho à Mão Levantada: Filomena  foi tanto um desafio técnico como artístico, mas um que reafirmou a minha paixão por reavivar estas técnicas intemporais. Um enorme obrigado à equipa da National Portrait Gallery por tornar esta colaboração possível! Desenho à Mão Levantada: Filomena (41x51cm) Ponta de Ouro de 24K, lápis branco, painel especialmente preparado #PontaDeMetal   #PontaDeOuro   #PontaDePrata   #DesenhoHistórico   #ArteDoRenascimento   #TécnicasMedievais   #DesenhoDeRetrato   #FilomenaCamacho   #LeonardoDaVinci   #Holbein   #Dürer   #Rembrandt   #NationalPortraitGallery   #NPG   #ArteTradicional   #TécnicasDeDesenho   #BelasArtes   #HistóriaDaArte   #DesenhoClássico   #ArtistaEmAção   #TécnicasDosMestresAntigos   #WorkshopDeArte   #FormaçãoDeProfessores   #NelsonFerreira

Segue-se a transcrição da sessão de Perguntas e Respostas moderada por Nuno Sena na Cinemateca Portuguesa, após a retrospetiva dos filmes portugueses de Gianmarco Donaggio, em colaboração com o pintor Nelson Ferreira. Filmes: A Trilogia de Lisboa (2022), Azul no Azul (2022) e Alba Nera (2024).  Foto @ Nathan Costa Nuno: Como veem a relação entre as diferentes formas de arte, como acontece entre as tuas pinturas e os filmes do Gianmarco, e as formas como ambos exploraram as vossas próprias realidades? Nelson: Os artistas, claro, são todos diferentes, e não quero generalizar. Alguns artistas escolhem uma vida estruturada, trabalhando num horário das nove às cinco e depois descontrair. Outros, no entanto, são hipersensíveis à realidade e criam paracosmos—mundos paralelos que podem estar relacionados com esta realidade, mas que permanecem distintos. Dito isto, acredito que qualquer pessoa "com coração" se liga a todas as formas de arte. Não importa se é música, cinema, pintura, escultura, literatura ou dança—no seu núcleo, a arte é uma expressão do que significa ser-se humano num dado momento. Quando o Gianmarco criou os seus filmes, ele criou a sua própria interpretação da realidade. Achei fascinante como o seu trabalho complementava as imagens estáticas da pintura, que, para mim, simbolizam a eternidade. Uma pintura, tal como uma pirâmide egípcia, é fixa, como as figuras imutáveis da arte religiosa medieval; ou o Deus eterno, cuja imobilidade representa a origem de todo o movimento. Em contraste, o cinema captura o fluxo do tempo através do movimento. Gianmarco: Nuno, como podes ver, abriste uma discussão que temos tido várias vezes—como ontem, quando estávamos a falar até às 3 da manhã sobre o Duchamp. Essas conversas podem durar horas. Para mim, trabalhar com pintores é bastante desafiante. Nelson, no entanto, é um caso único. Normalmente, colaboro com dançarinos, como mencionei anteriormente. A minha experiência, teorias e abordagens são bastante analíticas em comparação com as de Nelson. Costumo ser mais teórico, e essa teoria é geralmente influenciada pelo movimento e pela dinâmica. Vejo o cinema, como o Nelson corretamente indicou, como uma evolução de uma nova direção—uma que revela o mundo através do movimento, em vez de imagens estáticas. Este contraste entre o estático e o dinâmico pode levar a uma conversa interminável. Como disseste, há uma eternidade na pintura, o que penso que deve ser separado do filme. Caso contrário, o cinema corre o risco de se tornar uma seleção de instantes congelados em vez de um fluxo de movimento. Este é um problema de grande parte do cinema comercial atual—ele é estático—aderindo estritamente a uma estrutura fixa, ao guião e à fórmula, o que às vezes faz com que os filmes pareçam rígidos, como se estivessem congelados. Nem sempre, claro, mas acontece frequentemente. Quando vim para Lisboa e conheci o Nelson, não fazia ideia de que iria fazer estes filmes. Não comecei com um plano fixo—tipo, vou fazer um filme azul, depois este e aquele. Em vez disso, abri o meu coração e os meus ouvidos, e tentei ouvir com movimento. O Nelson foi incrível—confiável, o que é crucial quando se trabalha com outros artistas. Muitas vezes as pessoas ficam entusiasmadas com uma ideia, mas depois evaporam antes que algo aconteça. Nelson, por outro lado, estava sempre presente—altamente qualificado e, mais importante, honesto. Claro, tivemos os nossos desentendimentos. Mas, cada vez, eles terminavam numa espécie de harmonia dialética. Discutíamos, pensávamos nas coisas, e no final, sempre encontrávamos paz. Para mim, o cinema é, acima de tudo, um encontro. Exige uma escuta profunda. Com o Nelson, a nossa colaboração foi (para mim) sobre entrar no seu mundo e ver onde nos levaria. Ele queria explorar a pintura, enquanto eu queria explorar a dança. No final, encontrámos um ponto de equilíbrio. Ele nunca questionou ou duvidou de nada—simplesmente deixámos o trabalho acontecer naturalmente. No entanto, com Alba Nera , foi um pouco diferente… Nuno: Tenho uma pergunta em relação à colaboração. Muitas vezes, este tipo de filmes enquadra-se na categoria de trabalho encomendado, onde um artista ou instituição—como o MNAC - Museu Nacional de Arte Contemporânea, ou o Mosteiro da Batalha—pode ter alguma influência no resultado final. Pergunto-me, houve algum tipo de orientação ou influência externa neste caso? Houve alguma instituição ou comissário que moldasse o trabalho final de alguma forma? Gianmarco: Fomos incrivelmente sortudos com eles. A verdade é que tivemos uma grande liberdade. Por exemplo, passámos uma noite a filmar no mosteiro. Esse nível de confiança foi possível porque o Nelson já tinha construído uma relação forte com a instituição. Ele tinha uma ótima conexão com o diretor, e ambos confiavam um no outro. Para mim, foi fácil—era apenas um convidado a colaborar com o Nelson. Mas, no final das contas, este foi realmente o trabalho dele, certo? Estou correto? Nelson: Portugal não é só lindo—é um lugar onde podemos fazer coisas que seriam estritamente proibidas noutros lugares da Europa. E eu adoro isso. Acho que é uma das qualidades mais redentoras de Portugal. Em Portugal, ainda podemos criar coisas que seriam impossíveis em outros lugares. Vejam Londres de hoje em dia, por exemplo— a quantidade de burocracia é inacreditável. Não se tem acesso a nada, porque tudo se tornou corporativo e movido pelo dinheiro. Portugal, por outro lado, ainda dá acesso aos seus tesouros. E as pessoas, uma vez que as conquistamos e construímos uma relação, são genuinamente amáveis e recetivas. Pode demorar um pouco—sim, somos lentos, não nos apresses—mas, no final, as coisas acontecem. Nuno: Não diria que somos lentos, especialmente considerando que vimos três filmes diferentes feitos apenas nos últimos três anos—isso é um grande feito. Vendo-os juntos, claro, cada filme é uma peça distinta, com objetivos diferentes. Mas reparei numa qualidade comum, quase fantasmagórica, que os percorre a todos. Muitas vezes, espera-se que o cinema seja objetivo ou até arquivístico por natureza. No entanto, o Gianmarco parece estar mais interessado na política impessoal do cinema. Ao mesmo tempo, quando olha para as tuas pinturas, ele também se projeta nessa linguagem visual. Então, a minha pergunta—mais para o Gianmarco—é esta: Quando olhas para estes filmes no seu conjunto, vês um desenvolvimento na tua abordagem ao cinema? Gianmarco: Sim, absolutamente. Enquanto fazia estes filmes, comecei também a fazer performance audiovisual, o que mudou completamente a minha abordagem ao cinema. Agora, estou a criar filmes ao vivo—cinema ao vivo com som ao vivo—onde tudo é construído no palco. A ideia é ultrapassar ainda mais os limites do cinema. Naturalmente, esta mudança influenciou a forma como abordei a realização de filmes. No entanto, o Nelson sempre me puxou de volta para uma abordagem mais clássica, por isso tivemos essa dicotomia constante na nossa colaboração. Para responder à tua pergunta, quando revejo estes filmes, o Nelson e eu lembramo-nos de certas memórias daqueles tempos. O primeiro filme da Trilogia de Lisboa foi tão intenso—quase violento. Foi a minha experiência de chegar a Lisboa e ser lançado num novo mundo. Senti uma necessidade urgente de porosidade—absorver tudo. Estava constantemente na rua, a filmar, a conhecer pessoas, a viver a cidade. Muitos dos meus amigos aqui presentes, conheci nessa altura. No segundo filme da Trilogia de Lisboa , no segundo mês da minha residência, desacelerei. Já não estava apenas a reagir—estava a observar, a olhar mais profundamente para o movimento da cidade e o que ela me poderia revelar. Segui o ritmo de Lisboa, desde a forma como as pessoas se moviam até à beleza peculiar da roupa a secar nos estendais exteriores—algo que me lembrou um pouco a Itália. O terceiro filme da Trilogia, no entanto, foi mais uma coincidência. Não sei se te recordas, mas ele tinha distintamente este tom laranja. Isso não era algo que planeei—o filme é aquilo que é. Não o colori artificialmente. Foi filmado durante uma tempestade de areia que chegou em março de 2022. As imagens no filme não são nuvens, mas grãos microscópicos de areia que filmei com o meu único conjunto de objetivas. A tempestade fundiu-se com o rio, e tudo ficou laranja. Nesse momento, senti uma sensação de calma. Já tinha passado pela intensidade do primeiro filme e pela reflexão mais profunda do segundo. No terceiro, finalmente pude entregar-me e abraçar o inesperado. Depois veio o filme seguinte ( Azul no Azul) , onde a colaboração com o Nelson desempenhou um papel maior. Foi mais estruturado em torno da sua prática. Então, sim, houve claramente um desenvolvimento na minha abordagem. O primeiro filme foi todo sobre porosidade—absorver tudo. O segundo foi sobre atenção—aprender a observar mais profundamente. E no terceiro, ganhei a capacidade de ouvir—a cidade, o processo, e, no final, convidar a presença do Nelson no meu trabalho. O último filme ( Alba Nera ), para o qual viémos aqui hoje para o lançamento do livro, foi sobre emergência—esta tensão constante entre imagem e pintura, e a questão de qual tem mais poder no final. Embora tenha elementos dos filmes anteriores, também tinha um pensamento orientador que estava sempre presente no fundo da minha mente. Então, sim, sem dúvida, houve uma evolução clara na minha abordagem ao cinema. Nelson: Algo que realmente me impressionou ao ver os filmes juntos pela primeira vez—já que eu só os tinha visto separadamente antes—foi a sua riqueza visual. Passaste por fases tão diferentes: de uma total confusão expressiva, que adorei na Trilogia de Lisboa , para algo muito mais lírico e impressionista. O que me emocionou particularmente foi como essa mudança de estilo ressoou com a desfocagem nas minhas próprias pinturas azuis, que eram nebulosas, indefinidas e fantasmagóricas quando estava a trabalhar no MNAC. No filme, captaste tão bem essa sensação. Há momentos em que as esculturas parecem quase vivas. Por exemplo, as costas da escultura do menino parecem mover-se, embora seja bronze. É como se conseguisses dar-lhe vida. E depois, em Alba Nera , a nitidez das imagens foi impressionante. Lembrou-me fotografia da Europa de Leste—lugares como a República Checa, Hungria e Rússia, onde a fotografia a preto e branco tem uma estética poderosa e pungente. Sempre adorei esse tipo de fotografia, e em momentos de Alba Nera , senti essa mesma intensidade. Finalmente, o que realmente quero enfatizar é que o Gianmarco é incrivelmente flexível, o que acho que é uma característica de um grande artista. Na minha perspetiva, adaptas-te a diferentes linguagens dependendo do que tens à frente. Não estás confinado a um só estilo ou método; reages à realidade. Acho que isso é algo que falta muitas vezes no trabalho de muitos artistas, que tendem a cair na repetição do mesmo estilo, o tempo todo. Embora isso os torne reconhecíveis, também pode tornar-se uma limitação. Admiro como mudaste e desenvolveste a tua linguagem tão rapidamente, e em tão pouco tempo. É inspirador, e adoro isso na tua abordagem. Público: Esta é a primeira vez que vejo os filmes, e o que acho interessante na relação entre as imagens estáticas e móveis no teu trabalho é como ela aparece constantemente, e de formas diferentes. Em alguns momentos, especialmente em Alba Nera , consegues criar algo que provoca reações viscerais, algo quase orgânico. Por exemplo, em Azul no Azul , há um momento em que crias uma sensação de movimento na quietude—algo que parece extremo no contexto do cinema. A forma como trabalhas com as estátuas e as suas texturas cria um movimento que parece quase humano, como se as estátuas estivessem vivas, a mover-se como o corpo humano. Há algo sensual na forma como essas texturas são apresentadas, especialmente quando te concentras nas mãos. Não estás a contar uma narrativa tradicional, mas sim, parece que usas o poder da imagem para provocar sensações no espectador. A atmosfera que crias é pesada, mas também bela. Em Alba Nera , há muitos efeitos diferentes usados. Na primeira imagem, por exemplo, há algo que se assemelha a vídeoarte, e a questão é: "Para onde está a ir?" Mas depois, há uma bela cena do mar. É imprevisível, mas tudo tem um propósito claro, guiando o espectador pela experiência. Acho que é uma forma muito única de criar imagens, especialmente ao explorar a tensão entre movimento e quietude. Isso é algo que realmente se destaca para mim. Quando penso nisso, há uma certa relação entre cinema e imagens estáticas, entre filme e pintura. Azul no Azul , por exemplo, parece mais uma peça cinematográfica. Mas mesmo aí, podes ver uma evolução—como a linguagem cresceu e se desenvolveu ao longo do tempo. É fascinante ver como esses elementos se juntam. Gianmarco: Sim, concordo completamente. Cada filme foi feito num contexto diferente, por isso tive de abordá-los de maneira distinta. Por exemplo, Alba Nera foi criado especificamente para um ambiente de museu. Isso, de certa forma, impôs a sua própria limitação—não tanto em termos do que poderíamos fazer, mas mais onde seria projetado. Azul no Azul foi concebido como uma peça repetitiva de seis minutos, destinada a existir dentro de uma instalação de museu. Foi assim que a experimentaste—dentro desse espaço particular, onde o formato de repetição contínua era essencial. Por outro lado, Alba Nera foi muito mais cinematográfico. Seguia uma estrutura de filme curto mais tradicional—15 minutos, com um fluxo que se constrói e resolve. Embora não fosse clássico no sentido convencional, ainda assim aderiu a uma forma cinematográfica reconhecível. E pela primeira vez nos meus filmes, incluiu palavras—que se ligaram ao livro de que falámos antes. Agora, sobre as imagens, especialmente a cena do rio que mencionaste—sim, foi uma escolha deliberada. A forma como o vídeo se move cria uma reação nos sentidos, algo estranho e desconcertante. Mas não se tratava de recriar uma experiência de forma literal—era sobre revelar algo. O cinema tem uma capacidade única de mostrar aspetos do mundo que outros meios não conseguem. Isso foi o que explorei com a tempestade. Em vez de simplesmente descrevê-la—dizer "foi isto que aconteceu", ou tratá-la como um diário—usei ferramentas cinematográficas para comunicar a sensação daquele momento. E foi verdadeiramente estranho. Tu estavas lá, certo? Lembras-te do que foi? Durante aqueles dias, vivemos dentro de uma atmosfera vermelha. Os nossos corpos, os nossos olhos—tudo foi tingido por ela. A realidade em si sentia-se alterada. Até fez algumas pessoas ficarem tontas. Nunca tinha experienciado nada assim antes. Então, para mim, o desafio foi: Como capturo essa sensação? O filme tornou-se uma maneira de cair nessa atmosfera, de traduzir uma experiência que era impossível de descrever apenas com palavras. Público: Eu estava a perguntar-me se estavas consciente da qualidade fantasmagórica, especialmente no último filme, onde tens o homem de idade. Parece quase que são dois fantasmas, quando ele se move. Para mim, tive a sensação de que aparenta quase um sonho ou uma quarta dimensão. Estavas a tentar transmitir isso, ou foi apenas um resultado natural da tua visão? Estou curiosa se estavas consciente dessa qualidade à medida que ela surgiu. Gianmarco: É difícil responder a esta pergunta, porque é algo que eu queria fazer, mas também é algo que só percebi completamente depois. É difícil de definir, como mencionei antes com o livro, naquele filme há uma figura demiúrgica—um criador do mundo, ou o criador do mundo. Mas o criador deste mundo, aquele que faz as imagens e os filmes de movimento aparecerem e desaparecerem, não é explicitamente definido no filme. Então, pode ser eu, ou pode ser o Nelson e os seus conceitos—tudo o que ele colocou lá—poderia ser o público, ou poderia ser ele. Mas se fosse ele, ele seria esta figura forte que iniciou a negritude, e depois a escuridão permeia tudo. Mas nesta dimensão, é também como nós. É como o público, porque tu com a imagem, constróis uma ideia. E com essa ideia, começas a criar os teus próprios pensamentos, a tua vida, e assim por diante. E a figura também faz isso—representa o criador, mas também é observada. Não é apenas o criador. Acho que esse efeito fantasmagórico, essa sensação de aparição, surgiu para mim depois—não durante a filmagem. A propósito, esse encontro foi aleatório—ele não era ator de forma alguma. É uma longa história, mas uma pessoa fantástica. Não posso contar a história toda, mas foi uma bela coincidência. Então, para terminar este pensamento: é sempre um processo. No final, nada é aleatório—nunca. Mas o processo de chegar lá tem de ser algo para o qual eu tenha pessoalmente a mente aberta. Caso contrário, não faria filmes. Nunca trabalharia com um guião. Se soubesse exatamente para onde estou a ir, apenas o leria ou o escreveria eu mesmo. Mas se estou a fazer um filme, é porque não sei o que vai acontecer. Esse é o objetivo de pôr todo este esforço e sofrimento nisso—quero que o filme me dê algo em troca. Então, o processo de o fazer é sempre uma descoberta. É um fluxo, uma constante troca. À medida que vou passando pelo processo de prática cinematográfica, aprendo o que posso fazer, e incorporo isso na forma como crio filmes. A técnica e o conceito alimentam-se sempre um ao outro, se isso fizer sentido. Nelson: Estávamos a caminhar no Seixal, a sul de Lisboa, e visitámos alguns moinhos de vento antigos, do Renascimento, em ruínas—edifícios de 500 anos que estão a desaparecer lentamente e, infelizmente, vão acabar por colapsar. Depois vimos este homem lá dentro, um argentino chamado Juan Miguel Prats. Sentimos imediatamente que ele tinha de estar no filme. Mal podemos esperar para lhe mostrar o filme em breve, embora ele vá possivelmente odiá-lo. O filme favorito dele é o James Bond , por isso ele provavelmente acha que vai parecer uma estrela de Hollywood. Público: Antes de mais, parabéns pelo resultado—está tudo incrivelmente bem feito. Estas últimas falas desta conversa levaram-me à minha pergunta. Adoro entender o que se passa com a colaboração, especialmente porque sou também artista. A conversa sobre o sofrimento e tudo o que vem de dentro da nossa alma. Então, a minha pergunta é: como gerem as vontades de dois artistas e trazem-nas juntas para criar algo tão maravilhoso? Gianmarco: Agora, só reagindo diretamente à tua pergunta, talvez devesse pensar um pouco mais sobre isso . .. mas a minha sensação instintiva é que o Nelson é uma pessoa com quem me encontrei e que está em paz. Com outras pessoas com quem colaborei, elas frequentemente têm uma expectativa clara do que querem. Por exemplo, quando trabalho em videoclipes, geralmente há uma ideia pré-definida do que precisamos fazer, onde precisamos ir, etc. Há muita pressão e objetivos já definidos. Mas com o Nelson, foi sempre diferente. Ele estava sempre em paz com o filme. Ele simplesmente veio até mim e disse: "Eu gosto da Trilogia de Lisboa que fizeste. Porque é que não trabalhas com um pintor?" Foi um desafio, mas não uma exigência ou expectativa. No primeiro filme, ele nem sequer viu as filmagens antes de terminarmos a gravação. Eu fiz o filme e dei-lho, e ele estava contente com isso. Nesse sentido, sinto-me sortudo, porque não tive que ter uma conversa extensa com ele nem concordar com cada um dos detalhes. Foi mais sobre ele dizer: "Sou um artista, sou um pintor, mas isto é a tua coisa." Depois, com o Alba Nera , tivemos uma conexão mais profunda e conhecíamos-nos muito melhor. Havia uma confiança mútua. Nessa altura, eu podia chegar até ele com incertezas e perguntar: "O que achas? O que devemos fazer aqui?" Ele estava sempre calmo e guiava-me com uma visão clara, dizendo: "Vamos fazer isto." Nelson: Acredito que quando encontramos um mestre—e acredito que tu já o és—temos de lhes dar total liberdade. Se começarmos a prendê-los com restrições, a adicionar ataduras, fitas, correntes e pesos, acabamos com uma obra de arte muito distorcida. Nós até falámos sobre isso ontem. Oscar Wilde disse que a arte é a única forma verdadeira de rebelião, a única atividade onde a individualidade é completamente expressa. Não devemos restringir uma obra de arte. Acho fascinante observar o processo criativo de outra mente. Porque deveria interferir? Foi lindo. E sempre fluiu de forma tão natural. A primeira vez que vi o Azul no Azul, soube imediatamente que estava certo. Pensei: "Perfeito." Não precisamos dizer às pessoas o que fazer quando elas sabem o que estão a fazer. Público: Então, acredito que possa estar a interpretar mal, mas deixem-me tentar. Pelo que entendo, até que ponto a geografia influenciou o filme? Estão num espaço—como um mosteiro—e estão num local onde misturam o orgânico com o inorgânico. Têm elementos vivos como a dança, o movimento, etc., e depois têm os materiais e a arquitetura do espaço à volta. Até que ponto o espaço influenciou o filme? Era essa a pergunta? Ou a experimentação foi algo mais aleatório e ilimitado, livre de qualquer restrição? Ou houve sempre uma conexão com a geografia, de alguma forma? Quais foram os limites para a experimentação, especialmente na Trilogia de Lisboa , ou em todos os vossos filmes? Gianmarco: Ah, não houve quase nenhuma limitação, como mencionei antes. Quando cheguei a Lisboa, foi a minha primeira vez aqui. Para o primeiro filme, trabalhei durante uma ou duas semanas. Eu tinha acabado de chegar, vi as ruas e adorei as paredes. Talvez fosse por causa das residências artísticas na Graça; havia tanto a acontecer, e eu só queria investigar isso. Mas estava a sair de um período em que estava a trabalhar numa série de filmes que eram todos muito microscópicos. Como podes ver, os filmes estão gradualmente a evoluir para longe dessa abordagem. Mas no início, era assim—porque tinha todas estas lentes que tinha construído, estava muito centrado na materialidade. Já mencionaste isso muitas vezes, e o novo materialismo é algo que me interessa bastante—como a cultura pode ser influenciada pela natureza, e tudo isso. O materialismo, ou realismo, vamos chamar-lhe assim, a imanência, é muito importante para mim. Mas, aos poucos, começamos a definir as nossas próprias fronteiras. Começamos a estabelecer as nossas limitações e começamos a perceber-nos a nós próprios e como reagimos ao mundo. Eu acho que crescer como artista também envolve isso—eventualmente, percebes quando o teu trabalho está terminado e quando não está. Fez-se muito mais nessas semanas, mas apenas uma peça se tornou a obra final porque eu precisava sentir algo. Precisava de uma resposta do material, da cidade, mas também de mim próprio. Se não estou a responder, então é apenas algo que parece bonito, mas se é só bonito, então não é bem aquilo que estou a procurar. Portanto, é sempre este tipo de interação, não é? Entre o mundo e eu, e com os outros—no caso do Nelson, mas também com as pessoas à volta. Porque quando estás numa residência artística, tens conversas, claro. Na altura, também estava a escrever a minha tese, por isso a minha mente estava em todo o lado. Todas estas coisas influenciaram o processo. Público: Parece que para ti, o processo é muito fluido e nem sempre fácil, correto? Porque a performance começou como outra coisa, e depois evoluiu para uma performance, e agora está relacionada com o self, mas transformou-se de novo. Quando pensas ou preparas um projeto, às vezes parece que não tens uma forma específica em mente? Acho isso incrível. Como artista, cada um trabalha de maneira diferente, e acho esse conceito tanto excitante como um pouco assustador pela sua imprevisibilidade. Como lidas com isso? É sempre assim para ti? Gianmarco: Para esta série de filmes, em parte… mas para o que mencionaste, humm… e que apresento brevemente agora: estou a fazer uma performance audiovisual sobre eletricidade. É uma performance ao vivo onde a eletricidade gera e adiciona som e imagens. Para esse trabalho específico, já passei por tanta coisa. Sim, começou como um filme. Era um documentário, e gradualmente, eu comecei a odiá-lo. Destruí-o, e nunca fiquei feliz porque escolhi um tema difícil: a eletricidade. Portanto, nesse caso, o material em si, como mencionaste, estava a dizer-me: "Não consegues fazer isto. Falhaste." Eu estava a olhar para a realidade, pensando, "Isto não é eletricidade. Isto não é o fluxo de corrente. O que é que estou a fazer?" Foi um momento em que percebi que tinha de quebrar aquilo. Uma vez que se tornou performativo, e eu podia usar equipamento eletromagnético para capturar imagens e som, aí percebi. Tinha de quebrar o processo para chegar ao ponto em que funcionava. Às vezes é terrível, às vezes fica preso, e na indústria cinematográfica, até o enviei para alguns festivais. Mas tive de o tirar porque não estava feliz com ele, era um caos. Foi um pesadelo, honestamente. Mas depois houve esse momento em que pensei, "Ah, finalmente, entendi.” Por isso, é sempre uma luta. E devo dizer que é difícil voltar ao cinema depois de experimentar a liberdade de coisas a gerar-se à tua frente. Mas, no momento, acho que são duas coisas muito diferentes. Público: Gostaria de te perguntar, porque mencionaste antes que ela (Lisboa?) é ambas, e eu gostaria de perguntar sobre a relação com a série. Como mudou após a mudança? Quais eram as linhas antes e depois da mudança? Gianmarco: Interessante pergunta. Sim, mudou, obviamente, como toda a obra muda. Quando olhas para trás, muda novamente. Cada vez, especialmente porque este trabalho não foi realmente feito para esta exibição a princípio. Inicialmente não estava destinado a estar aqui, mas depois decidimos mostrá-lo antes, o que acabou por ser uma ótima ideia. Fico tão contente que o fizemos. Mas sim, ele evolui sempre. Acho que o passado está sempre presente de alguma forma—continua a voltar. Mas às vezes, eu acho que as pessoas fazem isso, mas também tendem a afastar-se. É como se aquilo já tivesse sido feito. Mas hoje, senti a velha onda. Foi muito emocional, pessoalmente... senti como se hoje o passado estivesse a voltar. A minha relação com Lisboa continua a mesma de sempre. Isso não mudou. É um pouco estranho. Talvez eu ache que já a conheço, mas a cidade não pára de me surpreender. É uma cidade que me dá coincidências estranhas e belas—quase como uma frequência. Por exemplo, eu estava no Porto com o Nelson, porque ele ensina no Museu Nacional Soares dos Reis. E eu adoro o Porto, mas não tenho a mesma ligação que tenho com Lisboa. Eu disse logo ao Nelson, "Adoro o Porto, mas Lisboa é diferente." Talvez não seja tão bonita, para algumas pessoas, mas para mim, tem algo de especial. Sabes o que quero dizer? Alguns lugares são como ímanes, de alguma forma, certo? Público: Então, eu não sou artista, como sabes. E fiquei meio hipnotizado pelos filmes. São lindos, parabéns. E neste momento, logo no primeiro clipe, comecei a sentir um pouco de ansiedade, honestamente. Porque estava a ver algo que, na vida real, é apenas uma pedra comum—algo que vemos mil vezes e não ligamos. No entanto, conseguiste criar uma beleza pura a partir de algo que é ou feio ou, no mínimo, irrelevante. E comecei a pensar… Tenho certeza de que o que aconteceu com o Nelson é o mesmo. Tenho a certeza de que vocês veem muito mais nas coisas do quotidiano do que as pessoas normais como eu. Na realidade, a minha pergunta é: O mundo é mais livre ou muito mais rico do que eu penso que é? Gianmarco: É uma pergunta difícil de responder, pois há tantas camadas. Preciso de uma pausa para pensar, porque através da arte, realmente tens a oportunidade de voltar à liberdade que tinhas quando criança, sabes? Quando o mundo era apenas um plano de possibilidades, e tocavas nas coisas sem saber o que aconteceria. Tudo era surpreendente. Quanto ao lado "feio" da arte—como mencionei antes—se eu realmente soubesse exatamente o que estava a fazer, como se alguém me pedisse para fazer um filme sobre valsa, esse seria o lado feio disso. E isto é o que acontece, por exemplo, nos documentários. Quando fazes pesquisa para um projeto, começas a perder a fé no mundo. Já trabalhei como cineasta em vários projetos, incluindo documentários e outros tipos de trabalho. Como parte disso, tive de fazer pesquisas, e encontrei o lado feio das coisas—não só o processo em si, mas também a informação. Isso é a parte assustadora para mim. Nesse estado livre e quase infantil que a arte muitas vezes traz, tendes a focar-te em coisas belas. Posso citar o David Lynch aqui—ele talvez diga que não podes sofrer como artista enquanto estás a praticar, porque não funcionaria; não serias produtivo. Então, quando estás a criar, mesmo que a vida possa estar cheia de sofrimento, durante aquele momento criativo, tudo parece belo. Nelson: Quando estás aberto ao mundo à tua volta, quando não estás anestesiado—quando realmente te envolves com o que te rodeia—sentes as coisas muito mais intensamente. Eu fico mesmo fisicamente doente quando estou rodeado de fealdade, mesmo que seja por curtos períodos de tempo. Tenho dores de cabeça, e isto acontece frequentemente quando vejo arte contemporânea. Posso ir a um museu dito “de classe mundial”, e embora toda a gente diga que é incrível, depois de cinco ou dez minutos, começo a ter fortes enxaquecas. Portanto, não só reajo rapidamente à fealdade, mas realmente experiencio momentos extáticos de pura sublimidade quando a beleza se desdobra à minha frente. Não precisas de ser um artista para sentir isso. Na verdade, já conheci pessoas que são muito mais sensíveis à beleza do que muitos artistas, que às vezes se tornam dessensibilizados por trabalharem repetidamente com imagens. Por isso, sim, acho que estás a ver o mundo perfeitamente bem. Eu crio sempre melhor quando estou feliz—embora o Van Gogh possa discordar. Durante a preparação para a criação, há um momento em que sentes que a dor de não criar se torna mais difícil de suportar do que a dor de criar em si mesma. Um professor meu disse-me uma vez que só criamos quando a dor de não o fazer ultrapassa a dor de o fazer. Eu experienciei tal, repetidamente. Passei vários anos sem pintar depois de terminar o meu curso nas Belas-Artes. Durante esse tempo, perdi completamente a minha vontade de criar. E foi como se estivesse a arder por dentro—era doloroso não estar a criar arte. Estava intoxicado fisicamente com isso, como se algo estivesse a envenenar o meu sangue. Os artistas são como levedura. Se a levedura não encontra farinha para fermentar, queima-se a si mesma. Foi exatamente assim que me senti quando não estava a criar. Podemos sofrer imenso por não gerar arte. A criação é muitas vezes uma forma de salvação. (23/01/2025 - Gianmarco Donaggio e Nelson Ferreira: Perguntas e Respostas na Cinemateca Portuguesa ) #ProjeçãoDeFilmes #Cinema #Entrevista #PerguntasERespostas #CinematecaPortuguesa #MuseuDoCinema #RealizaçãoDeFilmes #Colaboração #GianmarcoDonaggio #NunoSena #NelsonFerreira #CinemaIndependente #CinemaDeAutor #TrilogiaDeLisboa #AzulNoAzul #AlbaNera

Azul no Azul, 2022 A prestigiada Cinemateca Portuguesa acolheu no dia 23 de janeiro de 2025 uma noite dedicada à celebração da interseção entre o cinema e as artes visuais. O evento contou a presença do subdiretor Nuno Sena, que abriu a sessão com a projeção dos notáveis filmes de Gianmarco Donaggio, incluindo Azul no Azul  e Alba Nera , ambos inspirados nas pinturas de Nelson Ferreira. A noite incluiu ainda uma exposição especial das obras de Ferreira, proporcionando ao público uma experiência multi-sensorial. A Cinemateca Portuguesa, frequentemente comparada a instituições globais como o British Film Institute, La Cinémathèque Française e o American Film Institute, foi o cenário ideal para esta ocasião memorável. Um dos pontos altos da noite foi a sessão de perguntas e respostas com ambos os artistas, que durou mais de uma hora—quase o dobro da duração das projeções. A receção entusiástica do público a estes filmes independentes foi um testemunho do impacto profundo de Gianmarco Donaggio enquanto realizador. Para Nelson Ferreira, o evento teve um significado profundamente pessoal. “Foi uma honra absoluta ver os nossos filmes colaborativos projetados numa instituição tão reverenciada,” partilhou. “E foi lindo revisitar The Lisbon Trilogy , o primeiro filme que vi feito por Gianmarco. Isto foi antes dele ter sido artista Berlinale e convidado a entrar na European Film Academy.” A celebração marcou também o lançamento do livro de arte de Gianmarco, Alba Nera , com uma abertura especial de Joaquim Ruivo, diretor do Mosteiro da Batalha. O evento foi possível graças ao apoio da Livraria Linha de Sombra e de João Coimbra Oliveira, reconhecidos pela sua dedicação à promoção do cinema e da cultura em Lisboa. Como Ferreira insinuou na sua publicação no Instagram, a jornada destes filmes e pinturas está longe de terminar: “@britishfilminstitute, @librarycongress, @themuseumofmodernart, @cinemathequefr, @deutschekinemathek, @cinemathequeqc—you’re next!” Fotos por @livrarialinhadesombra #CinematecaPortuguesa #AzulNoAzul #AlbaNera #GianmarcoDonaggio #NelsonFerreira #ArteECinema #CinemaPortuguês #ExcelênciaCultural #CinemaEArte

Acabaram de nascer duas Academias de Inverno excecionais, criadas para resgatar as técnicas clássicas de arte do século XIX em Portugal. Estes novos programas, localizados no Porto e em Lisboa, oferecem um currículo abrangente em desenho e pintura tradicional, direcionado a amantes da arte e estudantes de todos os níveis. A casa da Academia de Inverno: o Museu Nacional Soares dos Reis Academia de Inverno no Museu Nacional Soares dos Reis, Porto A Academia de Inverno nasceu no prestigiado Museu Nacional Soares dos Reis, no Porto, um projeto de Nelson Ferreira organizado em colaboração com o Professor Pedro Santos Silva. Este ano é especialmente marcante para o museu, que recentemente recebeu os prémios de "Museu do Ano 2024" e “Traveler’s Choice”, consolidando o seu lugar entre os principais marcos culturais a nível mundial. Decorrendo todos os anos, de outubro a fevereiro, a Academia de Inverno oferece uma experiência imersiva, começando com um curso baseado no renomado Curso de Desenho Bargue. O currículo está dividido em quatro módulos, todos concebidos para ensinar técnicas tradicionais que remetem aos métodos do próprio Soares dos Reis. 'O Atelier' em Lisboa, na Casa-Museu Dr. Anastácio Gonçalves Em Lisboa, 'O Atelier' terá lugar no histórico estúdio do famoso pintor português José Malhoa, atualmente parte da Casa-Museu Dr. Anastácio Gonçalves. Esta iniciativa representa um momento pioneiro na educação artística em Portugal, ao proporcionar uma plataforma para os métodos clássicos, que têm recebido uma nova apreciação a nível global. O programa de Lisboa também decorre de outubro a fevereiro, com cursos estruturados em módulos progressivos de técnicas tradicionais. As primeiras sessões incluem o Curso de Desenho Bargue, aberto a todos os níveis. As inscrições já estão abertas. Para 2025, o programa continua com Bargue II (14-17 de janeiro), focado no método Trois Crayons e na temperatura da cor, seguido de Desenho de Moldes (21-29 de janeiro) e Pintura de Moldes (30 de janeiro - 5 de fevereiro). Para mais informações e pré-inscrições, contacte Nelson Ferreira através do f ormulário de contacto no final deste link. As vagas são limitadas, por isso reserve o seu lugar com antecedência! #FormacaoAtelier #AcademiaDeInverno #ArteClássica #DesenhoAcadémico #SoaresDosReis #AcademiaArteLisboa #CasaMuseuAnastacioGoncalves #BargueDesenho #ArteSeculoXIX #ArteEmPortugal #TecnicasDeArte #DesenhoTradicional #NelsonFerreiraArte #PedroSantosSilvaArte #SistemaDeCoresMunsell #CursosArteLisboa #CursosArtePorto #EstudioJoseMalhoa #TecnicasClassicas #DesenhoDeMoldes #RealismoClássico

A cidade de Évora, conhecida pela sua história rica e pela arquitetura deslumbrante, foi o palco de uma exposição singular na Igreja de São Vicente, em agosto de 2024, e vista por mais de 8.000 visitantes. O artista luso-britânico Nelson Ferreira apresentou ao público “TETRALOGIA: CINTILAÇÕES DO MANTO CELESTE” – uma reflexão profunda sobre a arte, o tempo e a técnica, explorando temas que viajaram desde a herança bizantina até inovações futuristas que questionaram o isolamento do século XXI. No vídeo que acompanha este artigo, Nelson Ferreira explicou a visão que guiou a exposição e sublinhou a importância da técnica (métier) no universo artístico. A EXPOSIÇÃO A mostra ofereceu um percurso estético que homenageou diferentes períodos históricos: Ícones Bizantinos:  Criados com técnicas medievais utilizadas entre os séculos VIII e XIII, estes ícones respeitaram o carácter sagrado do espaço e destacaram a espiritualidade e o rigor técnico do passado. PlatiGleam:  Uma série futurista composta por pinturas que reagiram à luz do telemóvel, simbolizando o isolamento e o individualismo característicos do século XXI. Série Azul e Veludo Negro:  Obras desenvolvidas para o Museu Nacional de Arte Contemporânea e o Museu Nacional Soares dos Reis, em tons de azul e negro, como metáforas para o cosmos e o mistério da existência. Uma Reflexão sobre a Arte e a Técnica (Métier): No vídeo, Nelson Ferreira abordou questões cruciais sobre o estado atual da arte, chamando a atenção para o papel central do conhecimento técnico no processo criativo. Criticou a tendência contemporânea de ignorar o legado dos grandes mestres e destacou como a arte tem sido reduzida à autoexpressão ou à subserviência à palavra escrita. Para o artista, a técnica foi muito mais do que um simples recurso; foi a chave para a inovação e para a criação de obras de excelência. As suas pinturas PlatiGleam, por exemplo, demonstraram como a maestria dos materiais pode abrir novas possibilidades e desafiar convenções. Convite à Contemplação: A exposição convidou o público a redescobrir a arte de observar. Num tempo em que os visitantes dos museus dedicam, em média, apenas três segundos a cada obra de arte, Ferreira desafiou-nos a olhar mais profundamente, a explorar a subtileza das imagens e a refletir sobre o que estas revelam sobre a nossa cultura e o nosso tempo. Conclusão: A exposição na Igreja de São Vicente foi uma celebração do passado, um questionamento do presente e um convite a pensar o futuro. Uma experiência única que uniu história, métier e criatividade num diálogo intemporal. Curadoria de Rui Diogo Castela. #Évora #NelsonFerreira #RuiDiogoCastela #ArteContemporânea #TetralogiaCintilaçõesDoMantoCeleste #ÍconesBizantinos #PlatiGleam #SérieAzul #VeludoNegro #ArteEHistória #TécnicaArtística #HerançaCultural #InovaçãoArtística #ArteDoSéculoXXI #ExposiçãoEmÉvora #ReflexãoSobreArte #PinturaFigurativa #IgrejaDeSãoVicente

A pintura "Vestígio e Simulacro de Mim"  de Nelaon Ferreira foi distinguida e selecionada num prémio histórico, dado apenas duas vezes num século (1925 e 1971), para integrar a coleção permanente do histórico café A Brasileira, no coração do Chiado, em Lisboa. Este espaço emblemático, que acolheu figuras como Fernando Pessoa, Almada Negreiros e Eduardo Nery, é um verdadeiro templo da arte e da cultura portuguesa. Agora irá receber arte de artistas vivos, enquanto as pinturas históricas serão restauradas. Esta obra é uma homenagem a Fernando Pessoa, procurando capturar a complexidade e multiplicidade de um dos maiores poetas da língua portuguesa. A composição mergulha na fragmentação psicológica que define tanto o autor quanto a sua obra, apresentando-o numa paisagem surreal que reflete a vastidão da sua interioridade. Veja o vídeo: O UNIVERSO VISUAL DA OBRA: FRAGMENTOS DE PESSOA Nesta pintura, Pessoa é simultaneamente figura e paisagem. Um lago, que se eleva verticalmente de forma surreal, reflete a sua imagem em fragmentos infinitos, criando um jogo de ecos visuais. A citação de O Livro do Desassossego,  que atravessa a cena, dá corpo às palavras do poeta: "Nunca fui senão um vestígio e um simulacro de mim. O meu passado é tudo quanto não consegui ser." As palavras não são apenas texto, mas sim parte da atmosfera da obra. LINGUAGEM UNIVERSAL: UMA ABORDAGEM MULTICULTURAL Como forma de celebrar a diversidade de visitantes que frequentam A Brasileira do Chiado, a citação foi traduzida para várias línguas. Esta iniciativa visa convidar o público internacional a ler Fernando Pessoa, e a explorar as suas próprias reflexões através da lente deste grande poeta. O SIGNIFICADO DESTE RECONHECIMENTO Estar presente na coleção de A Brasileira, um dos cafés mais antigos e prestigiados de Lisboa, é um marco na carreira de qualquer artista. Este espaço, conhecido por popularizar o consumo de café (a bica) e por ser um ponto de encontro de artistas e pensadores, é um local onde a arte e a cultura se entrelaçaram de forma única. A tela estará exposta a partir de 15 de janeiro até meados de setembro de 2025. FOTOS DA CERIMÓNIA Estão aqui alguns registos da cerimónia de inauguração, gentilmente cedidos por A Brasileira do Chiado e pelo Grupo O Valor do Tempo. Estes momentos capturam a magia de ver a obra "Vestígio e Simulacro de Mim" revelada num auditório cheio, no MUDE - Museu do Design, Rua Augusta, em Lisboa. Mais informações: https://amensagem.pt/2024/11/19/brasileira-novos-quadros-concurso-chiado-cafe/ #ArtePortuguesa #FernandoPessoa #Lisboa #ABrasileiraDoChiado #PinturaSurrealista #CulturaPortuguesa #NelsonFerreira #GrupoOValorDoTempo #MUDE #MuseuDoDesign

Registe-se na lista de e-mails para mais informações! O histórico Mosteiro da Batalha acaba de adicionar uma nova peça notável à sua coleção: uma pintura PlatiGleam chamada 'Paisagem Noturna de Luz: a Fachada Poente do Mosteiro' , uma pintura contemporânea do renomado artista e professor de arte Nelson Ferreira - o criador do Curso Bargue Online . Conhecido pela sua dedicação às técnicas clássicas e capacidade de mesclar temas tradicionais e modernos, o trabalho de Nelson Ferreira marca uma adição significativa a um dos monumentos mais celebrados de Portugal. Num afastamento dos métodos convencionais, as suas pinturas PlatiGleam - 'Platina que Brilha' - são feitas com fórmulas secretas que utilizam a refração e a difração da luz em vez de pigmentos tradicionais. A imagem aparece e desaparece, dependendo da direção da luz. Os visitantes são convidados a ligar a lanterna do telemóvel e a visualizar esta obra de arte aparentemente branca com a lanterna ligada. Localizado no coração de Portugal, o Mosteiro da Batalha (Mosteiro da Batalha) é Património Mundial da UNESCO. Começou a ser construído em 1386 para comemorar a vitória de Portugal na Batalha de Aljubarrota. Com a pintura PlatiGleam de Nelson Ferreira fazendo parte da coleção permanente, os visitantes podem experimentar a união da História de Portugal com a inovação artística contemporânea. Aqui estão algumas estatísticas fascinantes para enfatizar a importância deste marco: 1. Estatuto de Monumento Histórico: O Mosteiro da Batalha recebe aproximadamente 500.000 visitantes por ano de todo o mundo, tornando-o um dos locais históricos mais visitados de Portugal. Isso significa que a pintura PlatiGleam de Nelson Ferreira terá uma audiência notável, alcançando meio milhão de entusiastas de arte e história anualmente. 2. Património Cultural de Portugal: O Mosteiro da Batalha foi o primeiro monumento do país a ser declarado Património Mundial pela UNESCO. Tem um significado único devido à sua beleza arquitetónica e rica história. Adicionar esta pintura PlatiGleam reforça o lugar do mosteiro como uma entidade viva e pulsante na paisagem cultural de Portugal. 3. Um legado centenário: O Mosteiro da Batalha levou mais de 150 anos para ser concluído, envolvendo gerações de artesãos e trabalhadores que criaram a sua intrincada cantaria. Esta pintura é a primeira na história recente a ser adicionada à coleção permanente, integrando uma peça de arte contemporânea com uma estrutura que incorpora mais de seis séculos de história. 4. Simbolismo da Obra de Arte: Esta peça PlatiGleam foi criada com uma técnica secreta que reflete o saber técnico visto na arquitetura do mosteiro. A obra combina elementos do treino clássico de Nelson Ferreira e da sua visão pós-contemporânea, mostrando a jornada de Portugal do passado para o futuro. 5. Destaque num filme de classe mundial: o cineasta italiano Gianmarco Donaggio ( Berlineale Talent 2024 , também trabalhou em filmes nomeados a Oscar) criou um filme experimental em torno desta pintura: 'Alba Nera' (2023). Como artista criador da técnica PlatiGleam , Nelson Ferreira continua a desempenhar um papel vital na preservação e evolução da tradição clássica, o que torna esta instalação um poderoso lembrete da ponte entre a herança histórica e a criatividade pós-contemporânea que está por vir. A sua pintura no Mosteiro da Batalha convida cada visitante a testemunhar o diálogo vivo entre o passado e o presente. Registe-se na lista de e-mails para mais informações! #NelsonFerreiraArte #PlatiGleam #MosteiroBatalha #PatrimónioPortuguês #HistóriaDaArte #ArtePósContemporânea #GianmarcoDonaggio #ClássicoContemporâneo #PatrimónioMundialDaUNESCO #LegadoCultural #ArteHistórica #PatrimónioVivo #ArteEArquitetura #HistóriaDaArteModerna #ArtePortuguesa #PatrimónioEncontraOContemporâneo #GeraçõesInspiradoras

É com enorme entusiasmo que partilho convosco um evento marcante na nossa trajetória artística. No dia 23 de janeiro , quinta-feira, a Cinemateca Portuguesa - Museu do Cinema irá projetar os dois filmes realizados pelo extraordinário cineasta Gianmarco Donaggio , que foram inspirados nas minhas pinturas azuis, negras e platinadas. (Este jovem realizador italiano já trabalhou em filmes nomeados para Oscar, séries de televisão premiadas mundialmente, foi escolhido pelo Festival de Berlim como Talento 2024). A programação, que terá lugar na Sala Luís de Pina , inclui: 18h30 : Lançamento do livro "Alba Nera" , manufaturado em Itália (50 exemplares), com a Livraria Linha de Sombra. Este livro de poesia de Gianmarco Donaggio explora as dimensões visuais e poéticas do filme homónimo. O visual foi inspirado nas minhas pinturas da série "Veludo Negro", sendo impresso com tinta preta sobre papel preto. 19h30 : Projeção dos filmes "Azul no Azul" (2022)  e "Alba Nera" (2024) , seguidos de uma conversa com o público. "Azul no Azul": Uma Homenagem às esculturas académicas do MNAC Filme Experimental / 1 ecrã / 4K / 16:9 / Cor / 00:07:08 / 2022 O filme "Azul no Azul" , aclamado com uma classificação extraordinária de 9.4 no IMDb , foi inspirado nas minhas pinturas azuis criadas para o MNAC – Museu Nacional de Arte Contemporânea . Estas obras, parte da minha exposição "A Pintura Sublimou o Espírito" , foram realizadas durante a minha residência artística no Museu e apresentadas no Jardim de Esculturas em 2022. Durante esta residência "sem precedentes na história do MNAC", homenageei os artistas académicos e a profundidade do seu conhecimento em desenho e pintura, refletindo a atmosfera única do Jardim de Esculturas ao crepúsculo, onde luz e sombra criam paisagens fantasmagóricas e evocativas. Desde a sua estreia, o filme tem viajado pelo mundo, sendo projetado não só no MNAC (Lisboa) , mas também no Museu Nacional Soares dos Reis (Porto) , em Lucca (Itália) , Catmandu ( Nepal) , e Daca ( Bangladesh) , reforçando o impacto universal deste "clássico do cinema contemporâneo". "Alba Nera": Uma Viagem Cinemática à Negritude da Luz Filme Experimental / 1 ecrã / 4K / 16:9 / Preto e Branco / 00:14:41 / 2024 Já o filme "Alba Nera" ("Madrugada Escura" em italiano) foi parcialmente filmado no emblemático Mosteiro da Batalha (o primeiro monumento em Portugal a ser declarado Património da Humanidade pela UNESCO), cuja arquitetura gótica serviu de pano de fundo. Este filme tem como base duas séries de pinturas: As Pinturas da série "Veludo Negro" de O Desterrado  – Criadas para o Museu Nacional Soares dos Reis , são uma interpretação contemporânea e emocional da icónica escultura O Desterrado  de Soares dos Reis. Nestas pinturas usei exclusivamente pigmentos negros, sem nenhuma mistura de outra cor. As diferentes composições químicas criaram os vários tons de preto (ex: terra negra, carvão vegetal, etc). Nestas pinturas, denunciei o marketing de uma marca de tintas caríssimas que afirma vender o "preto mais preto do mundo", o que não é verdade . Usei esta tinta para representar a luz, visto ser o tom mais claros das tintas pretas que usei. PlatiGleam  – Uma série de pinturas concebidas para o Mosteiro da Batalha , que reagem à luz de dispositivos móveis, criando uma interação única entre obra e espectador. Estas pinturas já foram vistas por mais de 300.000 visitantes em exposições por todo o mundo. Uma das pinturas faz agora parte do acervo permanente do Mosteiro da Batalha . Estas obras exploram a relação entre sombra e luz, o diálogo entre passado e presente, e o impacto da tecnologia na perceção da arte, temas que Gianmarco Donaggio traduziu magistralmente para o cinema. Após a projeção, teremos o prazer de participar numa conversa com o público , onde discutiremos os processos criativos e responderemos a perguntas. Convido-vos a estarem presentes neste evento especial e a partilharem conosco este momento de consagração artística. Local : Cinemateca Portuguesa, Sala Luís de Pina Data : Quinta-feira, 23 de janeiro Horário : 18h30 – Lançamento do livro "Alba Nera" 19h30 – Projeção de "Azul no Azul"  e "Alba Nera" , seguida de conversa com o público. Espero por vós para juntos celebrarmos a arte e o cinema! #Arte #Cinema #GianmarcoDonaggio #NelsonFerreira #Pintura #AzulNoAzul #AlbaNera #CinematecaPortuguesa #LivrariaLinhaDeSombra #Lisboa #MNAC #ResidênciaArtística #AllaPrima #LivroDePoesia #ArteAcadémica